什么是钢琴艺术

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什么是钢琴艺术

钢琴艺术是声音的艺术,它是音乐的长短、高低、节奏等的变化和发展,是一种总体的音响变化。钢琴艺术发展史从某种意义上说就是世界音乐发展史的缩影。

钢琴艺术发展的历史,各种风格的创作特征,各个作曲家的思维方式,可最直接地领会到音乐的本质。按当前被普遍接受的西方音乐史的划分,钢琴艺术的发展经历了:巴洛克风格时期、维也纳古典风格时期、浪漫主义风格时期、印象主义风格时期,20世纪现代音乐风格时期。

复调性是巴洛克钢琴音乐的重要特点,尽管每位作曲家复调性的程度不同,但不论演奏巴洛克时期哪一位作曲家的作品,严格的复调训练都是基础的基矗复调音乐由几个并行不悖的线条构成,一般不分主次。即使有突出,也仍保持几个声部的独立进行。在大多数巴赫的作品中,自由声部中暗藏着富有情感化的乐句。不容置疑,主题是集中的,凝练的,在短小精巧的乐句中包藏着最丰富的对比与信息量。因此,在演奏巴洛克风格的作品,尤其是巴赫的作品时,不宜孤立的强调其中某一个因素。而要致力于尽可能地解释每一个细节中有意义的方面。在他的作品中,除极少例外,巴赫几乎不在手稿上注明乐曲的速度、力度、表情等等记号。演奏家由此获得极大的自由,允许在总体风格的范畴内,作出种种创造性的解释。总之,演奏巴洛克音乐,应当树立起“使每个音符、每个线条都歌唱”的基本概念。要使每个声音典雅高贵,置于小心的控制之下;又使每个声音清晰连贯,纳入延绵的呼吸之中。

而弹奏古典时期海顿、莫扎特的作品时,个人感情应稍微收敛,触键以清新细腻为主,音乐充溢着健康、明快、幽默、热情和乐观的气氛;音乐语言通俗易懂,朴素亲切,不乏深邃的感情,力求营造一种彬彬有礼又不张扬的整体效果就十分符合人们对古典音乐的欣赏习惯。正像莫扎特1781年9月给他父亲的信中所说:“因为感情——无论是否激烈——永远不可以令人厌恶的方式表现,所以即使在最惊心动魄的场面中,音乐也永远不能引起耳朵的反感,而仍应当令人入迷,换句话说,要始终成为音乐。”这就是莫扎特的音乐。

浪漫主义时期的音乐家们,更多地挖掘和发挥音乐更多方面的表现性能,在形式上无拘无束,从题材到具体表现手法都有革新。在曲调、节奏、和声等方面,都对古典主义音乐作了突破性发展。在旋律上,更富于歌唱性和抒情性,认为优美的长串旋律线条,比主题合乎逻辑的严格发展更重要。浪漫主义音乐带有强烈主观倾向的情感主义,所推崇的是个人情感最大限度的释放,所以作品更注重表情变化,因而大量使用术语,例如:pastorale(田园的),furioso(狂怒的),garbato(优美的),nobile(高贵的)等等。在这一时期,诞生了众多伟大的音乐家,德国作曲家门德尔松和舒曼是浪漫时期的中心人物。门德尔松开辟独立的标题性交响曲的天地,创立了《无词歌》的形式,这是浪漫主义标题性、歌曲性器乐小品的代表作。舒曼的音乐语言比较主观,富有诗意和抒情性,虽具有随意性,但结构工整,节奏和织体的处理大胆而新颖。在他的作品中,一切都化成了纯粹的情感,没有任何装饰布景,这些决定了他的音乐创作风格以及音乐评论中的情感美学特征。人们称舒曼是“诗人音乐家”。

钢琴弹奏的技术问题

钢琴弹奏的技术主要是指:人的肢体经过训练后所具备的在钢琴上弹奏出构成乐曲乐音的能力。能力,可概括为局部的灵敏、灵活、独立、力量、速度、反应以及对所有这些方面的控制自如。整体上,则是完美地协调、配合的关系。技术的要求甚多,如触键、指法、踏板……要想成为好的钢琴家,首先要做到的是十个手指能够干净利索、坚挺有力地在钢琴上飞驰,十指乃演奏钢琴最直接最敏感的部位。因此,十指的力量、灵敏、速度,以及千变万化的触健方式和控制能力,是基础的基矗

触键是表达钢琴音乐极其重要的课题之一。触键的不同,会引起音色和音量的千变万化。触健的手法是多种多样的。有用单指、多指,甚至用整个拳头来弹奏的;还有由无声按键到发出多种不同力度的声音……等等。触键有垂直触键与水平触键,可称做手指动作的“阴、阳两法”。垂直触键为阳,为刚,以发力之结实、直接、迅捷、有力为根本。水平触键为阴,为柔,以触键之轻滑、推摸、水平柔美为要领。

另外,触键还有三种基本的方式:连音、非连音和跳音。触键速度的快慢与这三种基本触键有着密切的关系。弹连音时一般触键最慢,如肖邦的e大调练习曲,曲子的表情记号注有“legato”,要采用连音的触键法,手指触键的速度比较慢。弹非连音时速度就要快一点,如贝多芬的《热情》奏鸣曲的第三乐章的最后变奏,要求手指的触键速度要很快,力度集中在手指尖,要弹出漂亮的非连音来。弹跳音时速度是最快的,如维拉·罗伯斯的《小丑》,要轻巧的弹出调皮、滑稽的情绪。不同的触键法奏出来的音色和音量都是不同的。在钢琴作品中,有不少乐曲除了主题之外,还蕴藏着次要的旋律。演奏者要首先正确地掌握和运用不同的触键法,才能奏出乐曲中所需要的不同的音色,使乐曲的层次分明,风格突出。

音乐是声音的艺术,要把钢琴这种没有文字的声音艺术语言化,让听众觉得生动易懂,就必须在触键上狠下功夫。音色和音量的种种变化,犹如朗诵诗歌时的抑、扬、顿、挫,它能恰如其分地抒发和传递各种不同的思想感情,同时还可以起到文字所无法描述,但令人回味无穷的效果。弹奏技术占有关键性、提前性的地位。没有技术,音乐内容的表现只是一句空话。但钢琴演奏中技术的运用必须服从于音乐作品的风格和思想内容的需要,学习技术是为了更好地表现音乐。

钢琴演奏风格问题

钢琴演奏风格的研究对我国钢 琴教学“基本功扎实,但音乐表现力不够丰富”的现状来说,无疑具有十分重要的指导意义。

一、把握音乐风格应该作为理解钢琴音乐作品的重要方面

周先生在讲座中指出:“为了更好地理解音乐作品,就必须对作品的音乐风格有深入、正确的把握,”他还说:“音乐风格把握得错误,在某种程度上比弹错音还要严重。”对于任何一个作品的把握,如果不能对其音乐风格特点作出准确的判断,就谈不上对音乐作品有深刻的理解。一个演奏者是否真正理解音乐作品,我们也只能根据他在演奏 中对音乐作品风格把握得正确与否来作出判断。把握音乐风格、研究音乐风格,作为理解钢琴音乐作品的重要意义是显而易见的。

当然,风格研究是一个十分复杂的课题。对风格的研究包含以下三个方面:首先,从历史发展的角度来看,钢琴艺术发展经历了四个主要风格形态时期:巴罗克风格时期;维也纳古典风格时期;浪漫主义风格时期挥∠笾饕宸绺窦?0世纪现代音乐风格时期。其次,从民族的角度来看,不同民族、不同国家都有富于民族特色的钢琴音乐风格,比如,德奥的钢琴风格、俄罗斯的钢琴音乐风格等。再次,从个体研究的角度来看,应对有代表性的钢琴音乐作曲家进行专门研究,例如:对巴赫、莫扎特、贝多芬等人的创作特征的研究。

从钢琴音乐发展的四个主要风格流派来看,由于各个时期作曲家的美学观念、追求目标、作曲技法等有很大不同,因此也就使各个流派形成各自的风格特点。不同时期、不同风格的作品在速度、力度、声音、和声、奏法、装饰音、踏板、弹奏方法等方面均有很大的区别。用不恰当的速度、声音、触键来演奏某种特定风格时期的乐曲。被视为比弹错音 更严重的错误。因此,风格问题的研究应该多在这些方面下工夫,在教学或实际演奏中把握作品的风格,更好地阐释音乐作品。

二、钢琴演奏风格的训练应该成为钢琴教学的重要内容之一

风格问题不是一个纯粹的理论问题,而是一个实践问题,一个必须与教学和演奏密切结合起来的实践问题。我们必须在学生学琴的第一天起,在对他们进行严格技术训练的同时,逐步引导他们掌握正确的风格概念----即严格地限定每一首乐曲所应当具有的声音、奏法、速度、力度、装饰音以及由此而来的触键、用力、踏板等技术问题。只有把风 格概念引入钢琴教学中,使它获得与技术训练同等重要的地位,才能使学生在实践中日积月累逐步确立正确的风格概念,最终达到准确地理解、再现作品。当然,风格概念的树立需要一个长期的过程,它要求学习者在弹奏中逐步积累:通过聆听各种不同风格的作品获得感性体验,通过对作品音乐风格各要素的把握获得理性判断。

三、演奏风格的比较研究

周先生在讲座中对巴罗克、古典、浪漫主义时期的钢琴演奏风格作了深入地探讨和研究。从各个时期的代表人物及音乐特点入手对每个时期作了总结,从速度、力度、声音、和声、奏法、装饰音、踏板、弹奏方法八个方面对巴罗克、古典、浪漫主义时期的钢琴演奏风格作了详细地比较研究:

速度:巴罗克风格时期演奏速度比较适度,既不太快,也不太慢,快、慢是相对的概念,不是绝对的概念 。

古典风格时期的演奏速度比巴罗克时期有很大提高。速度往两头扩张,贝多芬的快板乐章比海顿、莫扎特又快的多,而表现力深刻的慢板乐章往往更慢。

浪漫主义事情的速度幅度比古典时期又有较大的扩张。

力度:由于巴罗克时期古钢琴时期古钢琴采用细弦、木结构及钢片拨弦,它的构造及发声原理决定了乐器的音量很小,在演奏中采用“阶梯式”的力度处理,即一层一层地渐 强渐弱。

古典时期由于“槌子琴”的出现,音量增大了,可以用不同的触键来做渐强、渐弱的变化,因而音乐表现力比巴罗克时期更为丰富了。如果说在海顿、莫扎特时代还比较局限

于发明的“槌子琴”,那么到了贝多芬时期又有更大的发展,力度幅度明显增大。

浪漫主义时期的力度又有很大的扩张。例如:莫扎特用p、f。ff出现在莫扎特的一个作品中(A小调奏鸣曲K.Nr.310)。贝多芬用ppp、ff。李斯特甚至用ffff。浪漫派音乐强调表现人的感情:热情、激动、悲伤等,因此力度的起伏很大,音乐的表现力也就更丰富了。

声音:演奏巴罗克时期的复调音乐作品应重视每个音的触键,不但每个音符要有良好的音质,而且注意每个线条的歌唱性,同时注意使各个声部之间组织成良好的声部关系,从而在横纵两方面把音乐组织成完美的整体。

古典主义时期钢琴的声音与古钢琴完全不一样,莫扎特、海顿的声音更清晰,他们更强调手指的颗粒性、清晰度和透明度。而贝多芬声音结实、雄厚,因为他的音乐内容常常是富 于戏剧性的,他要求声音的音量和厚度大大地超过莫扎特和海顿。

浪漫主义时期的音乐主要是抒发个人情感,所以旋律很重要,声音的美非常重要。声音的多层次是浪漫派音乐的最大特点,旋律本身的歌唱性、旋律与伴奏的层次非常重要。

和声:巴罗克时期音乐主要以复调音乐为主,即由几个并行的线条构成,一般不分主次,即使有所突出,也仍应保持几个声部的独立进行。复调音乐是多层面、多线条、多重性的复杂思维。一般有一种错觉,认为巴罗克音乐比其后的音乐来得协和,实际上,巴罗克音乐包含着极尖锐的不协和。一些在20世纪音乐中经常出现的不协和音响,尤其是小二度、大七度等音程,在巴罗克音乐内大量存在,甚至大大超过维也纳古典主义时期。而这些不协和音响通常以延留音、倚音、经过音等和声外音或装饰音的方式出现。

古典主义时期主调音乐代替复调音乐,以“旋律与和声背景”为主体的主调音乐占据首要地位。由“主--下属--属--主”建立起来的功能和声及其调性关系体系成为音

乐结构的骨架。和声成为非常重要的因素,钢琴的织体完全变了,有主旋律、有伴奏、而不是像复调音乐时期是几个旋律并行。

浪漫主义时期和声丰富多彩,通过运用和弦外音,以及远关系转调等手法来获得新鲜的和声效果。钢琴织体的写法也有很大不同。

奏法:由于巴罗克时期古钢琴力度变化很小,因此,通常靠奏法和装饰音来来丰富作品的表现力。从奏法上看,主要采用断奏和连奏进行对比。由于巴罗克时期的作曲家在乐谱上并没有标上明确的奏法,因此,对于奏法大致有两种基本的、但并不是绝对的原则可作为参考:1。音阶性(级进的音)的进行采用连奏。2。三度以上音程的跳进用断奏。

古典主义时期的由于钢琴的变革,因此在钢琴上可以弹出比较好的连奏,特别是贝多芬的某些作品中,强调非常连的声音,连奏成为重要的、新的因素。

浪漫主义时期有非常富于歌唱性的连奏和非常短促的跳音。

装饰音:装饰音一直是很复杂的问题:

其一,记号不统一。

其二,对同一个装饰音有几种不同的弹奏法。

其三,由于后人编写的乐谱版本日益增多,给装饰音的研究又增加了难度。例如车尼尔,这位巴赫之后一百年的钢琴老师,很容易带上他那个时代的审美情趣来解释巴赫作品的装饰音,因此现在非常强调要考证巴赫作品的原稿,即Urtext版。

巴罗克音乐作品中装饰音的种类包括:波音、倚音、双波音、顺滑音、颤音、回音、带各种不同“前缀”和“后缀”的颤音等。巴罗克和古典时期弹奏装饰音的基本原则是:

第一,装饰音必须在拍子上开始。第二,颤音从上方二度音开始,(这适用于巴罗克时期、海顿、莫扎特和贝多芬的早期作品)。但也有例外:为避免重复,颤音应从本音开始。

古典主义时期海顿、莫扎特的装饰音基本继承了巴赫的传统,但贝多芬的装饰音则略为复杂。第一,颤音从原音开始。第二,颤音的数量较自由,不像巴罗克时期那么严谨, 而是采用尽可能快的自由节奏颤音,显示出越来越快的趋势。

当然,以上谈及的只是一些一般规律,要弹好装饰音首先应透彻地研究作品的原稿,其次参考其他各种版本,然后在聆听大师录音的基础上从音乐的需要出发来掌握装饰音的正确弹法。

踏板:由于巴罗克时代的古钢琴没有踏板,因此在训练中应该首先强调手指严格的连奏。

但如果是在现代钢琴上演奏巴罗克时期的作品,那么也可以尝试用一点踏板,但必须考虑以下几个因素:

1。不要将踏板踩太深,以免造成泛音。2。不要将踏板踩太长,即使在属于同一和弦的乐句进行时,也应根据线条而不是根据和声运用踏板。多换踏板可保持各声部的清晰。

踏板是古典主义时期发展起来的。弹奏海顿、莫扎特的作品时,踏板的用法应注意掌握以下的原则:

1,在长音上踩,起到润色的作用。2,不要踩太深,要与不用踏板的部分产生很好的衔接。贝多芬作品中踏板的运用比海顿、莫扎特要多得多、复杂得多,这是由他的音乐内容所需要的表现力决定的:1。增强乐句的连贯。2。为使音响更加丰富饱满。 3。为加强力度对比。4。为获得色彩性效果。

浪漫派时期踏板的使用更复杂、更精细。延音踏板包括长踏板、浅踏板和颤踏板的使用。还有弱音踏板,持续音踏板大量运用,增强了音乐的表现力。

弹奏方法:在漫长的钢琴艺术史中,钢琴的弹奏方法经历了一个逐步改进和科学化的过程。这与乐器的构造、作品的音乐内容、意境、技术类型等是紧密联系的。在巴罗克和

古典主义时期,由于古钢琴的琴键较浅、较轻,没有太大的力度变化,因此不需要用很大的力量去演奏,弹奏时更多的运用手指部分来弹奏,用力部位基本局限于手掌以下,手指 是发力的基本出发点。

古典主义时期由于专职钢琴教师的出现,使钢琴技术有了很大的发展。当时出现了所谓的“手指派”,例如:莫扎特、克列门蒂就属于手指派,而贝多芬之后逐渐发展为手指 和手臂相结合的方法。用我们现在的观点来看,“手指派”的训练方法是比较片面的训练方法。手指派里还主张高抬指训练,大量机械的训练,不讲音色、不讲歌唱性,追求快、 响,很有危害性。

浪漫主义时期出现了一批炫耀高超演奏技巧的大师级钢琴嫁。经过李斯特、肖邦、舒曼、勃拉姆斯等人的不懈努力,钢琴的艺术表现力被淋漓尽致地发掘出来。浪漫主义时期被誉为钢琴技术发展的鼎盛时期,出现了大量的超级技术,例如,八度、和弦、双音、快速华彩经过句、震音与颤音、托卡塔式的两手交叉、远距离跳跃、刮键、重复音等等。由于技术类型的变化从而导致了用力部位的巨大变化,据有关记载:李斯特、肖邦当时的钢琴教学方法已非常科学,开始运用从指、腕、肘、臂、腰乃至全身的力量来演奏。这就是 我们现在的重量与手指相结合的弹奏方法。

通过以上的比较,我们可以对不同时期的钢琴演奏风格有基本的了解。运用比较法进行学习可以使我们对钢琴音乐风格的历史发展有一个全方位的立体概念,从而更容易掌握

不同时期作品演奏风格的尺度。当然,值得一提的是:由于以上提及的只是一些一般规律,而音乐是千变万化,因此,在学习音乐作品时,还应根据具体情况进行具体分析。

钢琴家所应具备的素质

成为一名真正的钢琴演奏家所要具备什么样的素质呢?这确是一个难以回答的复杂的问题。中国著名钢琴家傅聪的父亲在临别前曾赠给他四句话:第一、做人;第二、做艺术家;第三、做音乐家;最后才是做钢琴家。可以看得出,要想拥有好的音乐,首先心灵要纯净,做有爱心的人,拥有良好的修养和素质,是演奏一切音乐的前提。

赵晓声先生在《钢琴演奏之道》中提到一位钢琴家必须具备:1、“运动员”的素质,也就是速度、灵敏、力量与持久。2、“诗人”的气质、灵感、想象、梦幻。这些都是发自与内心深处的、自我血肉的一部分。一个真正的钢琴家,他所必须掌握的不仅仅是高超的技术,更主要的是他对音乐的理解和演示,而这就来自于对哲学、美术,文学,历史,戏剧等各种知识的积累和修养的凝聚。3、“建筑师”的形态、层次、线条、色彩。4、数与哲的抽象与升华。这些是赵先生对钢琴家所要具备的素质的最准确和最精辟的总结。

纵观古今中外享誉乐坛的钢琴演奏大师,无不自幼接受演技方面严格的训练,无不具有浓厚扎实的文学艺术修养。真正的美感是不分民族、不分国界的。笔者认为,以上提到的三点是在演奏艺术上最基本也是最重要的。只要我们给钢琴注入表情、注入生命,钢琴演奏艺术将会在世界艺术与文化的肥沃土壤中枝叶茂盛,果实累累。

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